ART

Villeneuve: à  la fois Singuliers et...pluriels, par Pierre Mamier

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Si l’on veut manger un morceau et boire un verre, le bar et les tables attenantes vous attendent, dans la journée et le soir pour les animations musicales proposées, le week-end surtout.

  
  


Marina Di Dona, la frontignanaise, au meilleur de sa forme, est là aussi

Al 74-lea Salon Internațional «Ligne et couleur» Paris

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 74e SALON INTERNATIONAL LIGNE ET COULEUR sur la thème "LA RUE" - 14 -25 mars 2009, Paris

În perioada 14-25 martie 2009 are loc la Primăria Arondismentului 6 din Paris, cel de-al 74-lea Salon Internațional «Ligne et couleur» cu tema «Strada» organizat de «Ligne et couleur» Paris împreună cu asociațiile culturale afiliate «Ligne et couleur» Stuttgart, «Ligne et couleur» AAA Venezia, SARP Plener Varsovie, Scottish Society of Architect Artists și Architectes Artistes Roumains.

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 Primăria Arondismentului 6 Paris 

Une grande année pour Marina Di Dona, par Pierre Mamier

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Marina Di Dona, notre artiste sculpteur frontignanaise, va connaître une année 2009 des plus fastes avec trois événements artistiques qui vont mettre en valeur son travail. 
 
C’est dans l’immédiat, dans un mois, le vendredi 13 mars, « la Caravane des Arts Singuliers » à Villeneuve-les-Maguelone, qui va exposer une trentaine d’artistes….singuliers, dont Marina fera partie. C’est une exposition organisée par un autre artiste plus que singulier, puisqu’il est seul dans l’affaire et qui n’est autre que Moss, le frère de Marina, un artiste dont l’aura s’étend bien au-delà de Montpellier dans sa singularité. 
 
C’est ensuite en mars ou en avril, que sera inaugurée la stèle de l’Association pour le Mémorial Sétois d’Afrique du Nord au cimetière marin de Sète, une stèle formée d’une plaque en pierre de Tavel et d’une sculpture dont l’auteur n’est autre que Marina Di Dona. 
 
Contactée par l’association afin qu’elle lui soumette un projet, Marina a proposé cette sculpture de 1,30m de hauteur, comportant trois visages, celui d’un homme, d’une femme et d’un enfant, étroitement liés et qui symbolisent l’union dans l’exil.  

  
  

Les « puzzles » de papier city-zen de Jacqueline Robin, par Angela Nache Mamier

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Le vernissage de l’exposition de collages « De papier » de Jacqueline Robin, à l’Espace Culturel de la mairie de Millau  a connu un bien mérité succès.

  

Personnalité complexe, cette artiste millavoise laisse parler son cœur et crée avec des découpages de papier, des œuvres imprégnées d’un lyrisme soyeux, néo-romantique et élégant. 

Denis Seignez : l'illusionniste et ses tubes colorés, par Angela Nache Mamier

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Denis Seignez annonce « la couleur ,» c’est le cas de le dire dès le début : « je suis un peintre idéaliste ,créateur d’univers…les artistes sont là pour procurer du plaisir ».Son souhait le plus cher est que « le public ressorte de( ses) expositions avec un franc sourire sur le visage et le regard brillant »…Vaste programme pour cet artiste respectueux de son public, sans trahir son travail d’artiste. Le peintre expose dans notre région d’où notre coup de sympathie et de cœur pour lui. 
 
  
  

Gauguin, dans une lettre rédigée à l’intention de son épouse aspirait aux mêmes souhaits :vivre l’art sur une île d’Océanie, « vivre là d’extase, de calme et d’art…loin de cette lutte européenne après l’argent ». Il souhaitait aussi être « en harmonie amoureuse avec les êtres mystérieux d e( son) entourage »…
 

Aurora Speranța Cernitu - fațetele magice ale universului uman

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În interiorul microsmosului pictural al Aurorei Speranța Cernitu, o logică a portretelor se impune. Impregnate de o  stranie lumina poetică, aceste fapturi (arlechin, inorog, paun, cal etc…) dețin un dar divin, o forță intensa, care reflectă cu intensitate existența umană și fațetele ei multiple…Ne aflăm în fața unei artiste care filtrează cu talent o artă care îmbrățisează mai multe secole de mișcări artistice.

Artista trece cu eleganță și discreție de la arta medievală la un suprarealism și onirism abia voalate. Totul devine o metaforă insolită, o «zicere» în raport cu ambiția mesajelor sale, care sunt tot atâtea viziuni personale ale universului. Aurora Speranța este o adevarată «fabrică de legende», filon bogat, plin de poezie și de referințe literare diverse. Animale mitice (inorogul, calul, paunul…) țâșnesc din focul creației, traversează un Rug, ceea ce explică roșul viu și preponderent. Spiritul elementar al focului traversează pânzele și aceste animale sunt reprezentări și pretexte simbolice care trimit la uman.

  
 

REVES ET CAUCHEMARS: LES FUSIONS DE MARINA NICOLAEV, par Jean-Paul Gavard-Perret

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Il existe dans les eaux fortes, les encres, les gravures de Marina Nicolaev une étrange harmonie. La masse de formes qui surgissent laisse émerger un monde organique (végétal ou "animal). D'où l'apparition d'un ensemble de sensations plastiques à la fois de coordination et de contrastes au sein du grouillement. Contrepoids, balancements, "incestes" divers et variés produisent la modulation d'un corps nouveau, existant. Le réel surgit dans la matière particulière que l'artiste trouve pour révéler ses paysages intérieurs tourmentés, nostalgiques, assaillis de monstres du passé ou du deuil. Désir ou sang des veines tout y est : des anneaux courent, un grand mixage uni et complet de masse grouillante dont toutes les parties vont ensemble a lieu.

Toutes les parties construites et dessinées dans leurs formes aussi claires que confuses maintiennent les directions réciproques des masses. Pourtant dans tout ce qu'il y a de sombre (pour une telle artiste le noir est non seulement une couleur mais la couleur essentielle) on peut vivre, voir, être léger. Oui, être léger de tout ce qui pèse, de la "bête" ou d'un arbre sans base qui s'agitent, vagues, incertains mais évidents aussi. C'est comme un roman plein de directions différentes, on y voit de manière nouvelle, plus profonde dans l'enchevêtrement du féminin et du masculin. Emerge aussi l'union de l'esprit à la matière dans l'inconscient de la création. Tout se pénètre, est pénétré. Complexité de l'être. Union différente de l'unité la plus complète. Hymen de l'angoisse et du plaisir. Etrange tension érotique.  Le corps sans une seconde de repos cherche la fusion avec la terre. Tout se passe donc comme si Marine Nicolaev ne cessait de se souvenir du temps qui coule en elle. Et l'imagination ébouriffée devient la folle de son logis : elle est capable d'"imager" les terreurs et leur donner un corps. Face à un tel territoire nous sommes autant estourbi qu'écrabouillé. Gravures et encres nous conduisent jusqu'aux limites du vivre à travers rêves et cauchemars.

Pouvons-nous connaître la sérénité dans de telles oeuvres ? Certainement pas mais c'est ce qui leur attribue une force existentielle. Traces, trajets entre lesquelles parfois l'intervalle tient tout en respect  deviennent des morsures de l'invisible.  Chacune de ces oeuvres est liée à l'évolution de la vision de la créatrice, de sa conception de l'art et de son chemin de vie. Tout s'enchaîne entre  ce qui a été fait avant et ce qui sera fait après dans l'instant présent. Marina  Nicolaev semble prête à une nouvelle vie mais sans pouvoir cependant renoncer  à l'ancienne comme en témoigne un poème de l'artiste "Sommeil d'encre

"Il n'y a plus d'ombres dans cette agora que la mienne
tel ce nuage amplifié par plusieurs miroirs
qui se tournent toujours vers mon passé
où les anges, comme en une fine bruine, enterrent leur ailes
dans cet hiver amer toujours inachevé

il n'y a plus d'ombres qui frôlent en silence
la nuit angoissée d'un enfant plein de pitié
pour la solitude des arbres
il dort parfois en larmes
parmi les papiers des aveugles

en esquissant la dernière maladie de l'absence".
Tout est là. Un tel texte représente en effet une clé majeure de l'oeuvre.

Toutefois celle qui se réalise de la sorte dans son oeuvre peut nous aider à nous réaliser dans la vie.  Lignes, arabesques, effet sérigraphique de "calque sur", profils des masses dans l'espace et profils des vides qui proviennent de la construction et de la plénitude plus que le chaos deviennent le signe d'un autre ordre. Des cambrures se nouent, se tissent à d'étranges vers intestinaux. Tout est en broussaille, tout vit. Au sailllant des corps s'effrangent des clartés impatientes. Elles deviennent les psaume écartelés du monde. Chaque forme est créée avec la mémoire comme par l'éclair de la présence. Marina Nicolaev  pressent l'infime et possède le haut instinct de l'arbre dans le ciel, le pli du vent et de la sève. Dans le carré des choses vues elle montre l'intime de la lumière pour que le regard retrouve sa place profonde au cœur de l'attente. Il y a ainsi les reflets d'éclaircies sur les quartiers disparus comme sur les moments vifs à devenir. Dans les entrelacs et les enchevêtrements de corps et d'âmes surgit encore et encore la cicatrice jamais fermée sur les blessures de l'être englouti d'avant.

L'artiste voudrait que Tout ce qui est passé soit passé, mais du passé tout n’est pas consumé encore. L'artiste en fouilles les recoins mais afin que sa nostalgie ne soit plus ce qu'elle était. C'est tout le mal qu'on lui souhaite. Elle semble chercher une autre chair mais son oeuvre reste autant un redoublement qu'un dédoublement. Ses magnifiques eaux fortes deviennent pour nous aussi un moyen de galoper le long de l'automne en retrouvant une force sauvage. Il faut s'appuyer dessus le temps de retrouver de l'air pour une résurrection en gestation. Chaque oeuvre reste donc la tentative de s’ouvrir et de glisser dans les arbres comme dans les corps et d'accepter  enfin d’être qui nous sommes. D'autant que dans ce qui demeure le plus précis et le plus concret émerge une vision cosmique de l'être de son rapport au monde avec toute la lumière et l’obscurité dont cela procède.

Rob Gonsalves : maîtres des nouveaux mondes, par Jean-Paul Gavard-Perret

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Né en 1959 à Toronto , Rob Gonsalves étudie à l’Université de Ryerson et au Ontario College of Art. Après l’obtention de son diplôme, il travaille comme architecte, tout en continuant à peindre des murales trompe-l’œil et des décors de théâtre pendant ses temps libres. À la suite des réactions enthousiastes que son travail suscite à la Toronto Outdoor Art Exhibition de 1990, il se consacre à la peinture à temps plein. Rob Gonsalves participe à de nombreuses expositions, et ses œuvres figurent dans bon nombre de collections. Maître des perspectives et du trompe-l’œil, son style s’apparente à celui de Dali, Ernst et Escher. Possédant un art maniaque du détail et de la composition il crée un univers baraoque plus que kitsch où, par exemples, un guitariste joue sur les toits de la ville, qui se transformant en spectateurs, un château se reflète dans le lac qu’un carreleur prolonge ou encore un pont antique traverse la mer qui, de proche en proche, en son arc, accueille des navires… De toutes ses images émerge pourtant une forme de vérité qui contient l’éclatement du monde. Ce dernier n’est pas nié : il est affronté, dépassé comme si l’artiste proposais de subordonner le lieu humain à la demeure du Cosmos .

Picasso - Delacroix/ Femmes d'Alger

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In perioada 9 octombrie 2008 – 2 februarie 2009 sala Denon a muzelui Louvre din Paris găzduiește expoziția tematică dedicată operei lui Picasso (1881-1973) «Picasso / Delacroix : Les Femmes d'Alger».
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 Pablo Picasso
Les femmes d’Alger (Version O)
Paris, 14 février 1955
Huile sur toile
114 x 146,4 cm
New York, Collection Libby Howie and John Pillar
© Succession Picasso, 2008
 




De menționat că acest demers este paralel uneia dintre expozițiile de mare anvergură «Picasso et les maîtres» ce se poate încă vizita în această perioadă la Grand Palais, respectiv între 8 octombrie 2008 - 2 februarie 2009, și respectiv celei de la Musée d’Orsay gazda unei alte expoziții comparative Picasso-Manet dedicate celebrei pânze «Déjeuner sur l’herbe» (Dejunul pe iarbă) a marelui Edouard Manet (1832-1883) și variațiunilor realizate de Pablo Picasso.
Expoziția «Picasso – Delacroix/ Femmes d’Alger» cuprinde în primul rând, 15 lucrări din care 9 tablouri ulei pe pânză și 6 desene în tuș inspirate de creația marelui Eugène Delacroix.
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 «Femmes d’Alger dans leur appartement» (1834, 180x229 cm, ulei pe pânză)
 

Dintre acestea, precizăm că trei tablouri provin de la muzeele Hartford, San Francisco și Nahmad Gallery - Londra, patru lucrări de mai mari dimensiuni de la Nahmad Gallery – Londra și colecții particulare, două tablouri (Jacqueline în costum de turc) de la Centrul Georges Pompidou și particulari precum și două carnete de schițe de la Muzeul Picasso din Paris.
Evoluția marelui artist Pablo Picasso și influențele pe care le-au avut marii artiști asupra creației lui, pot fi urmărite în primul rând în marea expoziție (unică poate prin anvergură și ținută, ale căror costuri privind asigurările operelor de artă ar depăși imaginația multora, dar care au fost susținute de LVMH / Moët Hennessy Louis Vuitton) ce se desfășoară la Grand Palais și unde au fost aduse din multe muzee ale lumii peste 210 capodopere din secolul al XVI-lea până în 1971 alături de creațiile lui Picasso într-o concentrare și concertare rare, opere ce i-au influențat definitoriu parcursul ideatic.
Dialogul artistic al acestui fiu de profesor de artă care pictează academic perfect după maeștri la 14 ani și apoi învață să deseneze ca un copil, așa cum mărturisea el însuși într-unul din interviurile sale, este benefic alături de pleiada marilor artiști de la Tizian, Velazquez, Goya, Zurbaran, Rembrandt, Poussin, Ingres, Cézanne, Van Gogh până la Manet, mai ales Manet cel cu care de altfel în copilărie dorea să se asemene.
Ce se întâmplă în perioada 1954-1955?
Pablo Picasso, cel care lansase cubismul prin «Domnișoarele din Avignon» (1907) alături de Georges Braque (1882-1963), începe să își contureze propria sa identitate în Artă, intrând într-un dialog artistic virtual cu trei mari maeștri pe care de-altfel îi aprecia într-un mod special: Delacroix, Velasquez și Manet și caută să ofere publicului propria sa interpretare.
Este de reținut paleta coloristică tip Matisse utilizată ca omagiu marelui său prieten și rival Henri Matisse (1869- 1954) și odaliscelor sale, despre care Pablo Picasso îi precizează lui Daniel Henry Kahnweiler «Il m’a légué ses odalisques en somme pourquoi est-ce que l’on n’hériterait pas de ses amis».

Erotismul la Picasso este relevat de o factură specială (cândva am vizionat seria de lucrări cu această tematică pregnantă din opera Maestrului) și acest fenomen îl puteți reîntâlni în expoziția eveniment "Picasso – Delacroix/ Femmes d’Alger".
Femeia din planul îndepărtat se transformă deseori în falus, iar totul se estompează prin motivele decorative invocate de factură maură.
Personajele par să aibă rotunjimi senzuale, totul este sugerat, conotațiile sexuale regăsindu-se în liniile geometrizate, caracteristice.
Chiar dacă Delacroix are darul de a descrie prin luxurianta sa compoziție, premizele unui cadru absolut necunoscut omului occidental (o altă lume despre care nu se știe aproape nimic), Picasso induce termenul de erotism de-o manieră simplă, minimalistă.
Haremul lui Delacroix se transformă într-un concert erotic la Picasso, unde compoziția se redefinește simbolistic vorbind, translează deja spre un modernism în care ne vor șoca personajele sale - imagini simultane din față și profil ce conferă de-altfel emblema compozițională Picasso.
Arta modernă este identică universalității marelui Picasso, căruia i se iartă toate marile sale extravaganțe, inclusiv înscrierea în Partidul comunist francez din 1944.
Arta lui Pablo Picasso reprezintă un concept estetic inegalabil din secolul trecut mereu de mare actualitate.
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 ©Marina Nicolaev 






Bogdan Ater: arta fotografica, de Fabianni Belemuski

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Bogdan Ater

 

Bogdan Ater nu este un fotograf explicit. Nu este, de asemenea, nici măcar un pictor clar. Este un artist cu daruri spirituale diverse, pe care le aplică tăcut, în artă. Modul în care expresia umbrelor sale fotografice lovește retina este impactant. Nu lasă loc indiferenței. Inevitabil, privindu-i operele, te intrebi ce vrea să exprime, ce simte Ater atunci când întruchipează o idee. Misterul, confuzia și interogația sunt primele sentimente ce îl încearcă pe admirator, dar mai apăsat și aproape irepresibil, este gândul intuiției, al înțelegerii bănuite, din interior spre exterior. In suflet, lucrurile se înțeleg prin credință. In suflet, operele lui Ater prind un contur vag și un înțeles presupus. Este cuprinderea tristeții, este despărțirea suflării de viață, într-o lume în care suntem, totuși, orfani. Singuri, dar împreună, mulțimi de oameni ce năzuiesc o eternitate inaccesibilă.

Fotografia lui Bogdan Ater surprinde luminile și umbrele existenței într-o permanentă stare de promiscuitate: adevărul nu este niciodată clar. Suntem umbre și exultăm de jovialitate infantilă, aproape simultan.

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